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Mi post anterior fue sobre Sirron Norris, artista de San Francisco cuya obra incluye casi siempre (aunque no exclusivamente) osos azules.  Sobre el por qué de esto, comenta: "Bears were always this symbol of love to me, just because I see a duality in terms of how we perceive the bear. One, we perceive the bear as a really scary grizzly bear, gonna kill you bear. Two, we see the bear as a teddy bear: cute, loving, soft, and cuddly. And that’s a lot like love, right? It can be really horrible and painful or it can be beautiful and cuddly. So I thought the bear was this great metaphor and symbol for love. At the time I created the blue bear, I was not in a relationship, I was kind of depressed about love. Hence, the blue color. It just stuck from there." En esta misma esquina de Clarion Alley vi su trabajo por primera vez —otras fotografías de obras previas en este mismo espacio están perdidas en este Instagram. "Moving on, as a concept, is for stupid people, because any sensible person knows grief is a long-term project. I refuse to rush. The pain that is thrust upon us let no man slow or speed or fix". Esta novela de Max Porter es especial. Por un lado, hace converger al poema y la prosa de una forma ágil que confunde los límites entre ambos géneros. Por el otro, retrata el dolor de una familia que pierde a uno de sus miembros —si algo nos enseña Porter es que el dolor reside en las pequeñas cosas, por ejemplo: los niños, para evitar la culpa ante el avance del olvido que empieza a arrancarles los recuerdos de su madre, olvidan a posta 'cosas' de su padre; o bien, el padre recuerda una noche juntos en la que bebieron Prosecco y parece gritar, desesperado, 'I want to be there again. Again, and again.' Encima de esto la novela incorpora un Cuervo, una alucinación o entidad que añade vida al relato y lo convierte en algo más que un hombre hecho un ovillo sobre el suelo. Con un ritmo rápido y distintas profundidades, 'Grief is the thing with feathers' es una novela que no dejará al lector indiferente. ***
Duele la situación en México, recuerden que pueden donar a la Cruz Roja desde amazon.com.mx. Si han estado en San Francisco tal vez hayan visto diversos murales con osos azules, trabajo de Sirron Norris. La primera vez que me topé con su obra fue en Mission District, en la esquina de Valencia con Clarion Alley. Norris tiene un problema con que se le etiquete como 'street artist' o 'graffiti artist': "One is totally different than the other. One is relatively ephemeral, usually the subject matter is limited, it probably doesn’t have a narrative at all, and it can be done at a large scale in under an hour. That’s graffiti art. It’s not expected to last. Everyone just expects it to go away. Murals tell about people’s histories, murals have a huge history in San Francisco, murals are painted with a brush, and murals take months to create". Si bien Norris reconoce la génesis latinoamericana del mural, su propuesta no está apegada a ella, más bien es una mezcla entre pop y graffitti (pese a que no le guste el mote) con el objetivo de recuperar el espacio público: "A lot of the houses were getting tagged and taken over by gangs (Mission District), so murals were created out of necessity to beautify the community. It made the community feel safer for children. Even though the neighborhoods might have been dangerous, people still wanted their kids to feel safe". Dentro de esta visión el oso azul nació como una representación del amor y la desilusión (to be blue, en inglés, es sinónimo de estar triste). Este árbol es "Teneré", obra de Zachary Smith y el despacho holandés Studio Drift. Fue exhibido por primera vez en Burning Man 2017 y tiene 175,000 LEDs que funcionan como hojas, lo que permite programar múltiples patrones en su follaje, como se aprecia en el video (el algoritmo que controla la iluminación de los LEDs imita el vuelo de los pájaros y recopila información kinética de las personas alrededor). El nombre "Teneré" significa "desierto" en tuareg, y simboliza una acacia que creció 400 kilómetros lejos de cualquier otro árbol en el Sahara. "Este árbol solitario solía ser uno de los símbolos más fuertes de la vida, floreciendo en las condiciones más adversas", explicaron los artistas, ya que el árbol original no existe más —en 1973 un camión lo derribó, siendo reemplazado por una escultura metálica y depositándose el original en el Museo Nacional de Níger. Hay veces que uno se encuentra con libros olvidables. Cuando esto sucede, ¿por qué continuar leyéndolos? Tal vez por la fatua esperanza de que algo sucederá que nos hará cambiar de opinión —mecanismo similar al que nos ata a una relación tóxica o sin amor. Otra respuesta la da Tim Parks en su ensayo Why finish books?: "son solo los jóvenes, vinculados aún a esa sensación de logro o hazaña inculcada por padres ansiosos, quienes continúan leyendo aunque no haya gozo". Bueno, pues así con este libro. Fui a Burning Man otra vez. La metáfora usual del festival es la del fénix, pero hay otra que me parece más interesante y está reflejada en uno de los principios del festival: "leaving no trace". En un mundo donde todo apunta hacia la inmortalidad —las calles, los monumentos, las obras, el Internet— es refrescante construir y destruir una ciudad en una semana, dejar aquel desierto atrás como si nunca hubiéramos estado ahí.

biedma generacion 50

 antologia poetica gil de biedmaNo me detendré en la biografía del autor, salvo un par de detalles: Gil de Biedma es uno de los poetas catalanes y de la Generación del 50 que goza de mayor difusión y lectura en nuestros tiempos. Su herencia, como escribiera Javier Alfaya en el prólogo de la edición que ahora comentamos, se encuentra en el origen de la poesía de la experiencia, concepto que él mismo introdujo y que deviene de la vida misma –valdría la pena anotar que la poesía nace de los sentimientos primarios del hombre: el amor, el deseo, la belleza, la nostalgia, la melancolía, etcétera, y, en el caso de Biedma, la nostalgia se convierte en su motor principal. Pablo Neruda diría: no olvidemos nunca la melancolía, el gastado sentimentalismo, perfectos frutos impuros de maravillosa calidad olvidada, dejados atrás por el frenético libresco: la luz de la luna, el cisne en el anochecer, corazón mío, son sin duda lo poético elemental e imprescindible. Quien huye del mal gusto cae en el hielo. Además de esto, fue traductor de T. S. Eliot, y en su momento publicó un ensayo sobre este poeta titulado Función de la poesía y función de la crítica, cuya reedición habla el previo link.

Los grandes temas de la poesía de Gil de Biedma son muy tradicionales: el amor, la amistad, el paso del tiempo y, durante un cierto tiempo, la crítica socio-política.

El tiempo y las cosas que se han perdido, ¿no son la peor tragedia? Tragedia porque somos capaces de recordarlas, traerlas al presente con el dolor que implica la presencia de los fantasmas. Nostalgia. Sin embargo, no es en el efecto de su poesía donde me quiero detener. Recientemente se publicó en este espacio sobre la originalidad, esa absurda idea que a fuerza de cabildeos y billetazos se ha integrado en el imaginario colectivo como un derecho moral y económico en los procesos creativos. En el caso de Biedma, la influencia de T. S. Eliot es notable:

Un poema como The Love Song of J. Alfred Prufrock, de T. S. Eliot, que, en la estela de los largos monólogos dramáticos de Browning, utiliza una absoluta libertad de lenguaje, y en el que lo real inmediato, incluso en sus manifestaciones más deprimentes y sórdidas, y la reflexión filosófica se dan la mano, debió de deslumbrar a Jaime Gil. Por contra, la poesía española debía sonarle excesivamente encorsetada.

Veamos, a continuación, un fragmento del poema:

LET us go then, you and I,
When the evening is spread out against the sky
Like a patient etherized upon a table;
Let us go, through certain half-deserted streets,
The muttering retreats
Of restless nights in one-night cheap hotels
And sawdust restaurants with oyster-shells:
Streets that follow like a tedious argument
Of insidious intent
To lead you to an overwhelming question…
Oh, do not ask, “What is it?”
Let us go and make our visit.

La traducción al español de José Luis Rivas (UAM, 1990):

Vayamos pues, tú y yo,
cuando la tarde yazca sobre el cielo
tal paciente en la mesa dormido por el éter;
vayámonos por ciertas calles medio desiertas,
murmurantes retiros
de inquietas noches en hoteles baratos de una noche
y fondas de serrín y conchas de ostras,
calles que se prolongan como un aburrido argumento
de intención insidiosa
que te encamina a una pregunta abrumadora…
Oh, no preguntes “¿Cuál?”
y vayamos a hacer nuestra visita.

Y estos versos de Jaime Gil de Biedma:

Recuerdos de vosotras, sobre todo,
o noches en hoteles de una noche,
definitivas noches en pensiones sórdidas,
en cuartos recién fríos,
noches que devolvéis a vuestros huéspedes
un olvidado sabor a sí mismos!

Un verso es suficiente para regresar a la nota de Alfaya sobre el impacto de la poesía de T. S. Eliot en Biedma. Un poeta es todos los poetas, así como un poema es sólo el fragmento de un solo canto –John Donne ya nos había hablado de esto. La dimensión social de su poesía es un tema que se puede analizar en otro momento, pero sin duda el principal acierto de Biedma es compartir la derrota ante la transitoriedad de la vida.

Así como Gabriel Ferrater encontró la muerte por su propia mano a los 50 años, Gil de Biedma, a la edad de 46, pensando tal vez que no había nada más que decir, nada más de lo que arrepentirse, decidió dejar de escribir poesía, justo tres años después de la muerte de Gabriel.

Dejo, a continuación, mi propia selección de poemas favoritos de Biedma:

Para una antología más completa, den click aquí.

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