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Svetlana Alexievich estuvo en México en marzo de 2003 para dar una conferencia en ruso en el ciclo “Cartas del destierro”, que la Casa Refugio Citlaltépetl organizó en el Palacio de Bellas Artes. De esa conferencia extraigo este fragmento: "Mi aspiración a escribir un libro sobre la guerra con mirada de mujer se debe a que pertenezco a una generación a la que le desagradaban las respuestas estériles que nos daban sobre la vida. Estaba claro que esa guerra pomposa era una justificación del sistema y que toda la sangre derramada borraba la verdad sobre su naturaleza. La verdad era totalmente diferente. Recuerdo cómo se gestó mi libro. Una vez fui a un pueblo… En Rusia hay un día en que se conmemora a los difuntos, como aquí en México. Todos acuden al cementerio para recordar a sus muertos. Tratan de hablar con el cielo, con las personas que ya no están. Y advertí algo extraño… Por lo general, en los pueblos rusos y bielorrusos todos se juntan, incluso en el cementerio. Por alguna razón, todos los habitantes de ese pueblo ignoraban a una mujer. Les pregunté por qué. Tardaron en desvelarme la historia. Finalmente me contaron que, durante la guerra, cuando los alemanes se disponían a quemar todo el pueblo, la gente huyó despavorida al bosque. Huyeron con los niños y, por supuesto, sin nada de comida. Se escondieron en el pantano. Aquella mujer, madre de cinco hijos, no tenía nada con qué alimentarlos. La más pequeña no dejaba de llorar. Todos tenían miedo de que por culpa de ella los mataran, que por su llanto descubrieran dónde se escondían. Por la noche oyeron que la pequeña le decía: “Mamá, por favor, no me ahogues. No volveré a pedirte comida”. Cuando se hizo de día, la niña ya no estaba. Esta madre salvó a todo el pueblo, pero ellos después le dieron la espalda. Cuando me lo contaron y vi a esa anciana, me acerqué a ella y la abracé, y las dos nos sentamos junto a sus tumbas. Entendí que en la vida se dan situaciones como esa. A veces no se puede seguir mintiendo… Pero tampoco se pueden escuchar las mentiras." Ball de diables (baile de diablos) o correfuegos es una celebración catalana, parte de muchas fiestas mayores como la de la Merced, en Barcelona. Tiene su origen en el teatro medieval callejero y era un entreacto en los desfiles y procesiones religiosas de los pueblos. En síntesis, el baile representa la dialéctiva del bien y del mal, aunque ahora su naturaleza está más cercana al carnaval: el acto va acompañado de baile y tambores que acompañan la danza de los correfuegos. "La explosión del trueno, la luminosidad del fuego, el humo y el repique de los timbales crean un ambiente ensordecedor y aceleran las vibraciones hasta tal punto que nos encontramos inmersos y atrapados en una sensación que emborracha y domina", describe un artículo de la Federación de Diablos y Demonios al respecto. Hay algo primordial en el repique de los tambores, una energía que tal vez nos recuerda el vientre junto al latir de dos corazones o las danzas arcaicas que en algún momento todos los pueblos compartieron. El fuego, por su parte, es castigo, pero también purificación. Acompañadas por éste, el ball de diables es como un recuerdo lejano, tal vez más lejano incluso que la misma noción de hombre. Mi post anterior fue sobre Sirron Norris, artista de San Francisco cuya obra incluye casi siempre (aunque no exclusivamente) osos azules.  Sobre el por qué de esto, comenta: "Bears were always this symbol of love to me, just because I see a duality in terms of how we perceive the bear. One, we perceive the bear as a really scary grizzly bear, gonna kill you bear. Two, we see the bear as a teddy bear: cute, loving, soft, and cuddly. And that’s a lot like love, right? It can be really horrible and painful or it can be beautiful and cuddly. So I thought the bear was this great metaphor and symbol for love. At the time I created the blue bear, I was not in a relationship, I was kind of depressed about love. Hence, the blue color. It just stuck from there." En esta misma esquina de Clarion Alley vi su trabajo por primera vez —otras fotografías de obras previas en este mismo espacio están perdidas en este Instagram. "Moving on, as a concept, is for stupid people, because any sensible person knows grief is a long-term project. I refuse to rush. The pain that is thrust upon us let no man slow or speed or fix". Esta novela de Max Porter es especial. Por un lado, hace converger al poema y la prosa de una forma ágil que confunde los límites entre ambos géneros. Por el otro, retrata el dolor de una familia que pierde a uno de sus miembros —si algo nos enseña Porter es que el dolor reside en las pequeñas cosas, por ejemplo: los niños, para evitar la culpa ante el avance del olvido que empieza a arrancarles los recuerdos de su madre, olvidan a posta 'cosas' de su padre; o bien, el padre recuerda una noche juntos en la que bebieron Prosecco y parece gritar, desesperado, 'I want to be there again. Again, and again.' Encima de esto la novela incorpora un Cuervo, una alucinación o entidad que añade vida al relato y lo convierte en algo más que un hombre hecho un ovillo sobre el suelo. Con un ritmo rápido y distintas profundidades, 'Grief is the thing with feathers' es una novela que no dejará al lector indiferente. ***
Duele la situación en México, recuerden que pueden donar a la Cruz Roja desde amazon.com.mx. Si han estado en San Francisco tal vez hayan visto diversos murales con osos azules, trabajo de Sirron Norris. La primera vez que me topé con su obra fue en Mission District, en la esquina de Valencia con Clarion Alley. Norris tiene un problema con que se le etiquete como 'street artist' o 'graffiti artist': "One is totally different than the other. One is relatively ephemeral, usually the subject matter is limited, it probably doesn’t have a narrative at all, and it can be done at a large scale in under an hour. That’s graffiti art. It’s not expected to last. Everyone just expects it to go away. Murals tell about people’s histories, murals have a huge history in San Francisco, murals are painted with a brush, and murals take months to create". Si bien Norris reconoce la génesis latinoamericana del mural, su propuesta no está apegada a ella, más bien es una mezcla entre pop y graffitti (pese a que no le guste el mote) con el objetivo de recuperar el espacio público: "A lot of the houses were getting tagged and taken over by gangs (Mission District), so murals were created out of necessity to beautify the community. It made the community feel safer for children. Even though the neighborhoods might have been dangerous, people still wanted their kids to feel safe". Dentro de esta visión el oso azul nació como una representación del amor y la desilusión (to be blue, en inglés, es sinónimo de estar triste). Este árbol es "Teneré", obra de Zachary Smith y el despacho holandés Studio Drift. Fue exhibido por primera vez en Burning Man 2017 y tiene 175,000 LEDs que funcionan como hojas, lo que permite programar múltiples patrones en su follaje, como se aprecia en el video (el algoritmo que controla la iluminación de los LEDs imita el vuelo de los pájaros y recopila información kinética de las personas alrededor). El nombre "Teneré" significa "desierto" en tuareg, y simboliza una acacia que creció 400 kilómetros lejos de cualquier otro árbol en el Sahara. "Este árbol solitario solía ser uno de los símbolos más fuertes de la vida, floreciendo en las condiciones más adversas", explicaron los artistas, ya que el árbol original no existe más —en 1973 un camión lo derribó, siendo reemplazado por una escultura metálica y depositándose el original en el Museo Nacional de Níger.

Leer a Rubén Darío en la actualidad resulta un tanto anacrónico y cursi. Vivimos en un mundo distinto, y qué ganas tendría yo de escuchar cantar la aurora, pero en vez de eso, tengo cada mañana un concierto de cláxones afuera de mi ventana. La lección que nos enseño Cortázar sobre la sorpresa, el nock-out, se ha perdido: ahora sólo nos queda un terrible hastío, y la certeza de que todo pende de ilusiones.

Pero regreso a Darío. Este post no es una reseña, si acaso simplemente una lección de historia, misma que retomo del prólogo que Editores Mexicanos Unidos nos deja en su edición de Cantos de vida y esperanza. Walter Benjamin parafrasea a Kafka antes de perder la vida: “hay muchísima esperanza, pero no para nosotros”. Acaso la poesía sea el único camino.

Cuando en 1888 el nicaragüense Rubén Darío publicó Azul en Santiago de Chile, dio plena vigencia continental al modernismo, una corriente literaria que significó sobre todo la expresión de la acuciante necesidad de asumir una identidad propia que sentían los jóvenes creadores de América Latina.

Para Darío, jefe visible del movimiento, y para sus seguidores, esa búsqueda de la propia voz implicaba romper con la estructura literaria colonial impuesta por España, salir del cascarón en que los había encerrado su dependencia artística, acompasar su marcha a la de los nuevos escritores universales y a partir de allí catapultarse hacia una expresión original y genuina.

(…) Los modernistas tuvieron que encauzar su  movimiento por entre las embravecidas aguas de los cambios políticos, los estallidos sociales, el emergente poderío cultural del mundo anglosajón, los manotazos de ahogado de una España decadente y la temerosa reticencia del resto de la vieja Europa, que observó preocupada la vocación autonomista de los jóvenes literatos de un continente en ebullición. Fue por ello la de los modernistas una apuesta riesgosa que estuvo, además, pautada por la urgencia.

Modernismo fue en rigor una palabra que reflejó el primario objetivo de actualización, pero lo paradójico fue que esos jóvenes parricidas buscaron proyectarse hacia el presente afirmándose rotundamente en el pasado. Dice Mario Benedetti: “los modernistas se encontraron con que tenían en las manos un clasicismo que habían copiosamente imitado pero no re-creado; un romanticismo no menos imitado, que ya empezaba a resultarles incómodo y campanudo y además, un indigenismo balbuciente, cuyo atraso tenía poco que ver con lo europeo y sí con la exigente, postergada realidad. De esos tres atrasos surgió un solo adelante: el modernismo”.

(…)Al buscar los basamentos para ese despegue, los modernistas fueron mucho más allá de la paradoja inicial. Lectores de Verlaine y de Barbey D’Aurevilly, admiradores de Poe y de Ibsen, entusiasmados gustadores de los nuevos escritores rusos, buscaron el eco de su propia voz en resonancias extranjeras. Fundieron en un mismo crisol sintetizador, técnicas y manifestaciones culturales de diversas procedencias y a partir de ellas intentaron instrumentar una nueva modalidad expresiva y lingüística que les sirviera de original carta de presentación ante el universo literario.

Este peculiar mestizaje tuvo en el propio Darío un representante singularmente adecuado. Admirador de la cultura francesa, su obra verificó abundantemente la influencia de la sangre negra de sus ancestros africanos. (…) El primer resultado de todo eso no fue, claro, la verdadera autenticidad. Fue el cosmopolitismo. Eso de todos modos significó un avance notorio, que promovió el ingreso de la literatura de América Latina a la segunda etapa que Mariátegui distingue en el proceso literario de los pueblos.

Rubén Darío, como líder de un parteaguas en la historia de la literatura -y su corazón, la poesía-, es una parada obligada para aquel poeta que desea conocer de dónde viene, y hacia dónde quiere dirigir sus versos. En Cantos de vida y esperanza, Darío comparte sus confesiones “lanzado a la conquista de una felicidad esquiva”.

Es un testimonio de cansancio y de amargura que no siempre se atreve a decir su nombre y que aparece una y otra vez soterradamente tras la imagen del Darío sensual, exultante, mordaz, irónico.

El prólogo presenta una clara dualidad entre el poeta y el hombre. El primero trascendió a su época y lideró un cambio sustancial en la literatura de su tiempo, reinventando el lenguaje y la vida a través de la poesía. El segundo, murió destruido por el alcohol y la soledad.

One comment on “Cantos de vida y esperanza – Rubén Darío (el modernismo)

  1. Fredy Orozco dice:

    leer a Ruben Dario es leer sabiduria inteligencia e historia

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